Fecha

05.2023

Arranca Hartmon para conectar el arte emergente con la agenda pública

“Romper el molde” es el título de la primera exposición del nuevo proyecto de arte de Harmon, comisariado por Javier Aparicio y Victoria Solano del Río, con obras de los artistas Irene Anguita, Gabriel Alonso, Esther Merinero, Jesús Crespo, Cristina Stolhe y Alejandro Guijarro

Madrid, 05 de mayo de 2023. Retamos por norma. Y el arte contemporáneo, también. El arte ha sido, desde siempre, uno de los indicadores de cambio en la sociedad. Y en Harmon hemos nacido para ayudar a interpretar esas transformaciones sociales, y harmonizar el desorden. Nuestra misión es impactar en la sociedad para hacerla mejor. Por eso, ponemos en marcha Hartmon, un nuevo proyecto para conectar el arte emergente con la agenda pública.

Entendemos el arte como un resultado estético y teórico, pero también como un compromiso ético activo. La política, la tecnología, las tensiones sociales o los retos planetarios conforman el material del que está hecho nuestro día a día como consultores y son, a la vez, inherentes al discurso de los artistas contemporáneos. El arte ya no es un privilegio, sino una herramienta cada vez más accesible de reflexión y transformación.

“Romper el molde” es el título de la primera exposición, para la que los comisarios del proyecto, Javier Aparicio y Victoria Solano, han seleccionado obras de Irene Anguita, Gabriel Alonso, Esther Merinero, Jesús Crespo, Cristina Stolhe y Alejandro Guijarro, que pueden visitarse en nuestras oficinas. Una propuesta colaborativa que quiere servir de altavoz para artistas que están en procesos incipientes, pero con herramientas para crear un impacto que trascienda. Y que aspira a empujar(nos) a todos a cruzar puentes.

“La obra de estos artistas jóvenes que, a través de su arte, interpretan las realidades sociales en las que operamos, es nuestra respuesta a las inquietudes intelectuales y creativas de las personas del ecosistema Harmon que, cada día, transitan y habitan nuestra oficina”, explica Carmen Basagoiti, presidenta de Harmon.

“Encontrarnos con una empresa como Harmon nos alienta a potenciar la capacidad de entender nuevos problemas de la sociedad a través del arte y del trabajo de los artistas. Estamos convencidos de que, en su ética y en su estética, todos podemos encontrar claves interesantes, reveladoras, sobre el mundo en el que vivimos”, reivindican Solano y Aparicio.

 

Sobre los comisarios del programa

Javier Aparicio
Javi (1985, Ciudad de México) vive y trabaja en Madrid. Formado en arte dramático, ha desarrollado su carrera en el arte contemporáneo y la producción teatral y cinematográfica. En Madrid, formó parte de la galería Travesía Cuatro, donde fue director y abrió la sucursal mexicana en Guadalajara en 2013. Ha trabajado en proyectos de arte, teatro y cine en Buenos Aires, y fue director de Art Projects Ibiza. Además, ha sido consultor en la firma KCM Fine Arts, basada en Nueva York, focalizado en artistas de media carrera y emergentes en el sector internacional. En enero de 2021 abrió en Madrid el Chico, una plataforma híbrida para artistas emergentes y mid-career españoles. Actualmente, el Chico se ha asociado con el Estudio César Aréchiga para abrir la residencia de artistas Ladrón [de Guevara] en Guadalajara, México, dedicada a la internacionalización de artistas españoles a través del puente entre Guadalajara y Madrid.

 

Victoria Solano

Victoria (1977, Madrid) es una consultora especializada en proyectos de arte contemporáneo con una larga trayectoria nacional e internacional en Madrid, Londres, Berlín y Nueva York. Ha sido durante cuatro años, hasta diciembre de 2022, la directora en Madrid de la galería berlinesa Carlier / Gebauer. Y ha trabajado en el pasado en algunas de las galerías más importantes de la escena artística nacional, como Travesía 4 y Pepe Cobo, e internacional, como Marian Goodman Gallery en Nueva York. Fue la coordinadora de las primeras ediciones de Apertura, el Madrid Gallery Weekend. En el ámbito institucional, ha sido también responsable de actividades en Arco, y trabajó en la oficina de proyectos especiales del Museo Guggenheim de Nueva York. En la actualidad, además, asesora como art advisor a coleccionistas españoles e internacionales.

 

Sobre los artistas que participan en la exposición “Romper el molde”

Gabriel Alonso

Gabriel (Madrid, 1986) es un artista visual formado entre Madrid, Berlín y Nueva York. En 2020 fundó el Instituto de Estudios Postnaturales, una plataforma de investigación y creación desde la que discutir nuevos enfoques de la práctica artística a través de la ecología política, la estética postnatural y las nuevas éticas de la creación que contribuyan a la disolución definitiva del binomio naturaleza-cultura. Su obra ha sido expuesta en diferentes galerías y exposiciones internacionales, como Pradiauto 2022 (Madrid), Matadero 2019 (Madrid), John Doe Gallery 2018 (Nueva York), IIAF2018 (Nueva York), Poor Media Leuven 2016 (Bélgica), Espacio Las Aguas 2015 (Madrid), Mila Gallery 2014 (Berlín) entre otras. Ha sido profesor asistente en el Barnard College de la Universidad de Columbia (Nueva York) y en el Máster de Arquitectura Avanzada de la ETSAM, y ha impartido varias conferencias en diferentes instituciones internacionales, museos y universidades. En 2016, fue galardonado con una de las prestigiosas becas de la Graham Foundation for the Fine Arts.

 

Irene Anguita

Irene (Córdoba, 1997) tiene un Grado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2015-2019) y es Máster en Investigación en Arte y Creación también por la Universidad Complutense (2020). Actualmente reside en Córdoba. Su obra es un reflejo de su propio tiempo, una pintura que es testigo de lo que nos sucede a diario. En su obra reciente, observamos el interés de la artista por la relación entre lo tecnológico y lo físico, una relación en la que centra su investigación. ¿Cómo nos influyen la cantidad de imágenes que consumimos cada día? Y, ¿cómo puede influir esto en la práctica artística contemporánea? La obra de Irene surge como una reivindicación ante el sometimiento de las imágenes que padecemos, como un ejercicio que nos pide pausa y reflexión sobre lo que estamos observando. Nace como una traslación de la luz y del dinamismo de esas imágenes al medio pictórico — refleja, en definitiva, la unión entre las nuevas tecnologías y la tradición en la pintura.

 

Esther Merinero 

Esther (1994, Madrid) estudió la licenciatura en Bellas Artes en el Chelsea College of Arts y ha obtenido la licenciatura en Escultura en el Royal College of Art con una beca de la Fundación La Caixa. El trabajo de Esther se centra en los pequeños detalles que dan sentido a los acontecimientos de nuestra vida cotidiana y los convierten en recuerdos y campos de juego de posibilidades, proponiendo así narrativas paralelas que parten de una realidad. Los objetos se convierten en colecciones, listas de obsesiones, y la carga emocional que adquieren les otorga un peso equivalente al de un sujeto. Estos objetos son otro tipo de cuerpo, que puede interactuar y sentir, pero que también puede escapar o perderse. Si se pierden o escapan entre los agujeros son insustituibles, ya que sirven como objeto, pero también como escudo. Y una vez que el escudo desaparece, se deja ver el vacío que queda: el agujero. Este interés responde a la compleja relación entre volúmenes formalmente separados pero emocionalmente unidos, y los relaciona dentro de escenarios fantásticos.

 

Jesús Crespo 

Jesús (Madrid, 1989), licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, finalizó la carrera en Londres en Camberwell College of Arts, en 2016. Realizó el Máster en Investigación, Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid en 2017. Su obra ha sido expuesta en distintas ciudades europeas como Londres, Lisboa, París, Madrid, Barcelona, Amberes o Sevilla, entre otras. Actualmente reside en Londres. Su obra gira en torno a las posibilidades de la pintura como medio y como fin, algunas veces es la pintura la que lo lleva a conclusiones y otras veces son sus conclusiones las que elaboran la pintura. Jesús parte del collage y desarrolla un proceso de pensamiento/pintura a partir de imágenes encontradas. Reorganiza elementos a partir de una acción pictórica dando como resultado una serie de masas, planos y superficies sometidas a una condición líquida y maleable. Esta condición le permite jugar sobre diferentes espacios dimensionales donde aparecen zonas confusas, surgidas de deslizamientos, derivas y disonancias en forma y color.

 

Alejandro Guijarro 

Alex (Madrid 1979) es un artista visual que vive entre Madrid y Londres. Estudió en el Royal College of Art (Londres), donde se graduó con un máster en Fotografía. Su trabajo investiga las relaciones espaciales dentro de la representación fotográfica y su intersección con la pintura y el dibujo. Guijarro ha mostrado su trabajo en Europa, EEUU y Asia. Sus exposiciones recientes incluyen [LAPSO], El Chico (Madrid 2022) Remnants, Galerie Huit (Hong Kong 2018), Lead, Tristan Hoare (Londres 2018), Insights: New Approaches to Photography since 2000, PHOTOFAIRS (San Francisco 2017), Momentum, Galería Marlborough (Madrid 2015), Festival Images (Vevey 2014), New Order: British Art Today, Saatchi Gallery (Londres 2014) Blackboard – Art from teaching/learning from art, Artipelag Konsthall, (Estocolmo 2014), Fotografía 2.0, Photoespaña (Madrid 2014). Su trabajo ha sido nominado en concursos como Prix Pictet Award (2015), Man Photography Prize (2009) y el Festival International de Mode et de Photographie à Hyères (2011), y ha sido publicado en medios como The Guardian, British Journal of Photography, The Wall Street Journal, Huffington Post, Artnet, ABC y El Mundo, entre otros.

 

Cristina Stolhe 

Cristina (Pontevedra, 1993) comienza sus estudios en 2013 en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela. Sin embargo, en su último año de carrera, se da cuenta de que sus inquietudes creativas superan cualquier aspiración en el mundo de la gestión cultural y artística, y busca inconscientemente centrarse en el lenguaje «fotográfico» -que habla de forma natural-, un camino que se materializa en su primer libro, Random Pictures Book (RPB), publicado por la editorial Terrranova. Cristina no se identifica como fotógrafa; más bien, utiliza la fotografía como medio-canal, buscando aproximarse a un plano más matérico-pictórico donde las texturas/sujetos/figuras e ideas-temas como la soledad, la condición humana, la ironía, el tiempo o la muerte… obsesionan a la autora. Un impulso- una necesidad- plasmado en lo que entendemos por fotografías, en un álbum -infinito- y en una búsqueda constante en la que también se plantea qué es el medio fotográfico, y qué entendemos por fotografía y sus códigos. Sin importar tanto el medio (una cámara), como lo que uno observa (intervención).

Autor

Harmon

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